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中世纪的欧洲是所谓封建的制度，国王贵族以及骑士们都拥有极大势力；但到三、四世纪，就不完全是这样了，出现了商人或称为市民的阶级，经济实力逐渐转入这个阶级手中。商人、市民的势力最先强大起来的，是意大利。意大利半岛位于欧洲和东方之间。印度、波斯的物产，特别是欧洲人非常喜欢的香料，早就在欧洲进行交易，这些物产用马和骆驼驮着横越小亚细亚，然后装船运到意大利的港口，例如威尼斯，在那里上陆后就运往欧洲各地销售。意大利的港口，特别是威尼斯，垄断这种通商利益。当这种东方贸易受到阿拉伯人、土耳其人的威胁的时候，就发生了著名的十字军之战。
从1096 年第一次远征军出发以来，一百七十年内开往小亚细亚的大军就有好几次。这种十字军，一般称为夺回圣地耶路撒冷的远征，但若按今天的说法，也有商业方面的原因。其中也有人说，十字军是威尼斯的商人们为了维护自己的垄断利益，劝请罗马教皇和王公贵族发起远征。它是否正确，另当别论；不过，由于这次远征，威尼斯市更加繁荣起来，却是无容怀疑的。因为十字军总是首先在威尼斯集合整顿，然后乘上威尼斯的船去出征的。在那期间的居留费、船费、购买武器和食物的钱，这些全都落入威尼斯市民的手中。没有钱的贵族和骑士向富裕的市民借钱，作为代偿，不得不想办法，或者出让征收领地租税的权利或者给予在占领地进行贸易的权利，因此促成了威尼斯的繁荣。然而，这次十字军的结果归于失败，王公贵族的势力急剧衰弱，代之而起的是商人和市民的势力。封建制度崩溃，成为市民全盛的社会。既然威尼市达到现在所述的状况，而意大利其他城市，不是港口的别的城市又是怎样？关于这点，有必要加一些不同的说明，例如关于佛罗伦萨。
佛罗伦萨是不亚于威尼斯的商人发达的城市。据说，这个城市里住有以美第奇为首的许多富裕商人，经纺织业、银行业，欧洲的贵族要是钱不方便就向他们借贷。罗马教皇注意到这点，在想抑制贵族势力的时候，就给佛罗伦萨商人出主意，也就是让他们赶快去催还借款，贵族方面被迫勉强筹措，或者提供什么权利以代替，结果，贵族的财政更加拮据；相反，佛罗伦萨的商人更加发迹。不用说，佛罗伦萨的商人遭到贵族和骑士们的嫉恨。因此，商人们建立一种组织，在这种组织统制下把整个城市团结在一起，对抗贵族和骑士的势力。佛罗伦萨市和威尼斯港这两个城市，在十四世纪以后，出现了完全崭新的商人文化和市民艺术。市民与艺术 这种市民的文化运动、艺术运动，就是所谓文艺复兴运动。所谓文艺复兴，就是“重加革新”这个意思，也就是说笼罩在中世纪阴郁沉滞的气氛中的社会，重新呈现出面目一新的景象。所谓商人是具有自由精神的人。王公贵族和骑士着重规律、节制和服从，而商人市民则注意自由竞争。他们富有进取精神，是活跃的，而且喜欢变化。
在中世纪，不论宗教、道德，还是艺术，都是保守、严格、贫乏的；到十四世纪以后，一种明朗欢快的气氛来到了。绘画也一样，在商人们的自由主义中产生的新艺术，构图富于变化，色彩明朗，线条生动活泼，只有这样，才能受到市民的欢迎。不应该忘记，十四世纪以后，和中世纪不一样，艺术的保护者主要是有钱的商人和市民。从宗教方面来说，马丁·路德的新教运动，从道德、科学来说，例如人文主义运动，全都是文艺复兴期自由精神的表现。
（一）佛罗伦萨派
文艺复兴的发端 从十三世纪末叶起，人们确实厌烦了中世纪阴郁的毫无生气的艺术，希望有一种新兴的艺术，要求有一种更改进的艺术。恰好这时，比萨出生的雕刻家叫作尼古拉·比萨诺（Nicola Pisano， 1206—1280）的人，从一个寺院库房中发掘出古希腊的雕刻，加以研究观察，的确优美生动，洋溢着自由的精神。比萨诺非常高兴，以后就学习希腊雕刻，领会了它的精神和手法，创作出和原来大不一样的新艺术，这也就是雕刻方面文艺复兴的发端。在国内出现这种气运的时候，在东方，拜占庭帝国遭到土耳其人的侵略，
艺术家和学者不能安居乐业；他们带着珍贵的书籍、希腊艺术品等，亡命来到意大利。落脚在宏伟的佛罗伦萨城及较小但充满活力的西埃那城。
西埃那画派画家 拜占庭艺术家定居在西埃那城重新从事创作雕刻或画画，他们的艺术——一种具有和中世纪欧洲传统不同的精神的艺术，不能不对十三世纪西埃那的匠人画家有很大的影响。他们受到这种影响，也就开始画有一些新鲜气息的画。我们把走在文艺复兴期的前面的这些西埃那匠人画家叫作西埃那派。
西埃那派的画 当然多是宗教画，特别画《圣母与圣婴》的画更多，画面嵌以金属线或镶以红宝石，一半倒像工艺品。当时所画的圣母等，从照片看，并不怎么美，若从实物看，确是富有感情，颇有人情味的圣母，和中世纪没有表情的作品不一样。但是，西埃那派的绘画，没有持续多久。它们就被在附近的大城市佛罗伦萨的势力所压倒，为佛罗伦萨派的绘画所包围。
奇马部埃 意大利中部大城市佛罗伦萨，不用说，从中世纪以后出现许多匠人画家，十三世纪末期，最早画文艺复兴期很有新意的画的是奇马部埃（Cimabue，1240—1302）。据传说，他从小喜欢画画，每天去看亡命到佛罗伦萨来的一个拜占庭画家在一个教堂画画。当时，他就接触到拜占庭画家所具有的希腊精神；后来，在他成为一个匠人画家以后所画的画中，表现出中世纪的画所没有的生气勃勃的精神。可以看看他的《圣母与圣婴》，站在两侧的是天使。应该说，那天使和圣母的关系仍然还是观念的：把较重要的画得大，较不重要的画得小，还不能说是非常合理的，而技术上也还有点拘泥形式，不过若与中世纪的作品比较，可以看出还是自然而且生动的。关于奇马部埃，留下这样的传说：他受佛罗伦萨人的委托，为某教堂画祭坛画，因为画得非常好，人们从他的画室到教堂排着热闹的队伍，打着旗，吹着喇叭，运送他的作品。后人称奇马部埃为“画家之父”。
乔托 奇马部埃和当时的匠人画家一样，不得不去各个城镇巡游，他受那波利国王的邀请，在那里工作。有一天，他在郊外散步的时候，一个放羊的少年在石头上不断地画什么；走近一看，少年长着一个古怪的面孔，但是，他画的画却非常好。画的是羊的写生，使奇马部埃很佩服，他劝少年说：“不要放羊了吧，作我的徒弟吧！”当然，少年很高兴，马上得到父亲的允许，作了奇马部埃的弟子；技术不断提高，终于凌驾于奇马部埃之上，成为一个大师。这个少年就是有名的乔托（ Giotto，1267—1337）。乔托渐渐成为一个画家的时候，按照当时的风习，要游历意大利的各个城市，锻炼技巧，然后回到佛罗伦萨。他是小说家薄伽丘的朋友，也和诗人但丁很要好。但丁总是赞扬乔托的画，而乔托也非常尊敬但丁，并在一幅题为《乐园》的大壁画中，画了但丁的肖像。这个壁画后来暂时被涂掉，不为世人所知；不过距今八、九十年前，又出现在佛罗伦萨的墙壁上了。今天通常认为最为可靠的但丁的肖像，也就是这个。不用说，乔托也画基督的画。但是阿西西的圣法兰西斯柯的事迹大概也非常吸引他。圣法兰西斯柯是十世纪左右的人，出身于高贵的家庭，过着奢侈享乐的生活；不过，后来感受神的荣光，离开了尘世，去当僧侣；后来在阿西西的山中，严格遵守宗教戒律，过着极端贫苦但充满爱和善行的生活。法兰西斯柯的爱，可以说甚至及于小鸟和草木；最有名的故事，是把鸽子集聚起来进行说教。法兰西斯柯死后，在阿西西修了一个教堂，乔托在教堂墙壁上画了圣人一生的事迹。这些作品虽然也很有名，不过人们最感兴趣的是他画的《圣母与圣婴》。它和奇马部埃的同样画题的作品，构图非常相似，所以将二者加以比较，可以更清楚地说明乔托的画更富于文艺复兴时期的特点。可以比较一下，圣母较奇马部埃画的更有生气，似乎更严肃，虔诚。那年幼的基督，也似乎更聪明。虽然我通常站在这种画前是毫不为之所动的，但在佛罗伦萨乌菲齐美术馆看这幅作品时，不能不感受到一种压力，简直不能不信服乔托的气魄。这件作品竟这样充满着精神力量，技巧也更熟练。时代已向着新的方向展开。乔托性格正直、快活而又不拘谨，曾留下这样的轶话。在夏季一个炎热的日子，他正尽心竭力地作画，那波利国王来到他那里。国王对乔托说：“如果我是你，这样热的日子，我就不工作。”乔托一听他说完就说：“如果我是国王，的确是不会做工作的。”有一次，罗马教皇派来使者说：“想请佛罗伦萨的画家画画，不知谁画得最好，想要样品看看。”乔托听了后，眨了眨眼，拿了纸和铅笔，想画点什么呢，马上就画了一个大圆圈，然后说：“这样就够了”。使者大为惊讶，拿了它回去，而在罗马人们仍认为数乔托第一，不久就得到罗马教皇的邀请。乔托上了年纪后，仍然精力旺盛地努力工作。五十八岁以后，不再画画，而开始从事建筑。现在耸立在佛罗伦萨称之为“乔托之塔”的美丽的大理石建筑，是他晚年的作品。他也作雕刻，装饰那座塔的许多浮雕，就是他作的。
弗拉·安其里柯 继乔托之后出现的是画僧弗拉·安其里柯（ FraAngelico，1387－1455）。所谓弗拉·安其里柯，实际上就是“天使的兄弟”的意思，他的本名至今谁也叫不出来；欧洲往往有这样的画家，以后出现的丁托列托、埃尔·格列柯等就是这样。安其里柯，正如他的名字一样，是一个清高、虔敬的人，据说画画的时候，总是一面祈祷，一面作画。他又是非常谦逊的人，有一次罗马教皇说让他作主教，他说：“不，我虽然能够画个画什么的，但不能作主教，去管理僧侣们。”而加以拒绝。据说他从小就喜欢树木、花和小鸟。他二十岁时进修道院作僧侣，当时的僧侣除了奉祀神以外，每个人还要作一种世俗人的工作，如农民、木匠、医生、学校的教员等等。因为安其里柯喜欢画画，当然选择了拿画笔的工作。众所周知，当时，印刷术还处于萌芽阶段，书籍都是手抄的。安其里柯担任写经文的工作。不仅仅写文句，而且还要在上面作精美的插面、装饰等；他一点也不嫌麻烦，长年累月地工作。但是，自从有一天出现天使的幻影以后，就画了许多天使的画。故事是这样的：他有一次画天使，没画完就疲倦而睡着了。不知从什么地方来了真的天使，拿起安其里柯的画笔，把那幅画画完了。安其里柯的画确实纯洁清高，又有点孩子气，使人看起来觉得非常美好优雅。只要看看《受胎告知》就可知道。即使看《圣母加冠》这样的大作，也仍然有这样的感受。安其里柯的优美的画，是以前从未看到过的一种作品。在他的画中，有温柔的抒情，这也可以认为是文艺复兴期的自由主义的一种表现。诚然，他画的题材，几乎都是有关基督教的。在这方面，似乎还没有摆脱中世纪的教会主义；因此，倒不如说在他的处理方法和画法中，感到一种崭新的精神。
马萨乔等人 与安其里柯的抒情诗般的优美相反，继之而出现的马萨乔（ Massacio， 1401—1428）对自然努力冷静地观察，正确地描绘。这在当时确实是了不起的事情。可以看看他的作品《出卖基督》。把马萨乔的写实主义和安其里柯的抒情诗的优美统一起来，是画僧弗拉·菲利普·利比（FraFilippo Lippi，1406—1469）。他的画有一种温柔的感觉，而且尽力精确地描绘形态。此外，十五世纪初，还有画装饰性绘画的本诺佐·戈佐里（BenozzoGozzoli，1420—1497）；既是雕刻家也是画家的委罗齐奥（Verrochio，1435—1488）等都是第一流的大师。
波提切利 集这些大师所长而且远远凌驾于他们之上的，要数是波提切利（Sandro Botticelli， 1446—1510）。他生于佛罗伦萨，少年时嫌弃学问，似乎是个没有希望的孩子；父亲打算让他作匠人，就送他到一个金属工艺匠人那里做徒弟；后来，由于他喜欢画画，却成了弗拉·菲利普·利比的弟子。他在佛罗伦萨派画家中，是富于幻想，占独特地位的人。值得特别注意的是，他大胆地开始画非基督教的画。当然，他也画了几幅《圣母和圣婴》，但其它可以说都是异教的画题。《尤狄斯归来》因为是取材于旧约，虽不能说是异教的，但大胆而且有名的《春》和《维纳斯的诞生》两幅画就肯定是了。《春》这幅寓意画，象题名一样是比喻春天的，场面是在美丽的森林里。在林丛中展开的春神行进所向的左端，是告知春天来到的众神使者麦鸠利。他的后面，“三个美人”手挽着手跳着舞前进。她们后面安详地走着的是爱的女神维纳斯。维纳斯头上，邱比特在飞翔，正要射出金箭。谁中了这箭，心里就不能不惹起恋爱的情思。在维纳斯之后穿着美丽衣服的是花神弗罗拉在前进。女神后面是她的侍女。侍女被鼓起面颊的“西风”用气息吹拂，往女神那方推动。这就是一种比喻：从海那面一吹来暖和的西风，就有了春天的预兆，万物复苏，变得美丽，爱情之心也觉醒了，展开了百花绽放的春天景象。《维纳斯的诞生》这幅画更不必说，描绘的是美丽的西西里岛的传说：
爱和美的女神维纳斯从珍珠贝壳中诞生出来，时候是春天，也是吹着西风；于是女神的身体被风吹拂着，像辉耀的光焰一样颤动；女神因为不是凡人，不能受重力法则的约束立于地上。在这里描绘了维纳斯的神性，不能不认为是有趣的构想。正在给女神穿上美丽的衣服的，当然是花神弗罗拉。若考察一下这两幅作品，主题都可以说是希腊的，异教的，也就是反基督教的，而不是中世纪的。不仅如此，所描绘的女神的容颜，带有情欲的意味具有人类的恍惚和忧郁；虽然是遥远时代的希腊女神，却是官能的，给人一种近代的感觉。此外，女神们都被画成披着极薄的纱，或是裸体，而一点也没有害羞的样子。在中世纪封建时代的绘画中，这是从来未见到过的。最后还有一点，画面稍微加入了东方趣味，有一种装饰的美：女神衣服上的花纹，祝贺维纳斯诞生而从天降下的花的画法，波涛的形状等等都值得注意。不论从哪方面来看，这两幅画都是新时代的作品；它彻底打破了中世纪的传统，画得自由奔放。我们在波提切利的作品中，第一次看到充分发挥了文艺复兴的精神；但是，作者却因此受到当时宗教热狂者的残酷迫害。
塞尔兰达约 和波提切利几乎同时代，还有一个叫基尔兰达约（ Ghirlandao，1449—1494）的画家。他是佛罗伦萨的金属匠人的头目。他的画，是属于马萨乔风格的写实主义体系，在他的画里，大多数景物都是佛罗伦萨郊外的风景，描绘得确实生动。《老人和孙子》有家庭的情趣，极为亲切，而且也是富于诙谐趣味的肖像画；虽然从窗外看见的景色，多少有些装饰化，不过仍可认为是写生的。他在罗马教皇的梵蒂冈宫殿，画过《基督传》。
曼坦尼亚 基尔兰达约不论从哪一方面来说都是一个绘制令人感到亲切、宁静、品质高尚的绘画的画家，而曼坦尼亚（Andrea Mantegna，1431—15O6）则是有精力的，并且可以说是具有怪奇倾向的人。他生于帕都亚，严格说来不能说是佛罗伦萨派，但因为帕都亚属于佛罗伦萨的势力范围，在此，为方便起见也把他归入佛罗伦萨派。曼坦尼亚的作品最有名的是《基督的尸体和两个玛利亚》。这是从脚的方向来画基督的尸体的作品，但它的描绘是多么正确啊！构图也出人意外，特别是对那强烈的似乎向人逼迫的巨人式的气魄，使人折服。决心把站在旁边的玛利亚和抹大拉，画成满脸皱纹的老太婆，也完全是破天荒的画法。他作的艺术之神云集的《帕纳苏斯》，也是一幅堂皇壮丽的大作，受到人们的尊敬。
个性的发挥 一到十四、十五世纪，画家们都开始在自己作品中发挥个性。如上所述，在中世纪的画中几乎没有个性，看谁的作品，好像都是一样的；但到文艺复兴时期，却不是这样。乔托、安其里柯、波提切利、曼坦尼亚都具有鲜明的不同于他人的特色和个性。文艺复兴期也可以说是发挥个性的时代，是商人们市民们的自由竞争开始支配世界的时代。画家们只要是画了非常出色的画，就可以压倒别的画家；而且遵循自己个性的人作起画来更能得心应手。因此，他们有意无意地开始注重个性和独创性。
画家的署名 画家在自己的作品上署名，也和自由竞争有关。画家的署名，一般认为是从丢勒开始，不过，到十四、五世纪自由竞争时代，画家开始根据自己的个性，画有变化、新颖的画，而且在画上署名，意思是对自己的作品负责。而且以前曾经买那个画家的作品的人，以后如看见他的署名，就会很清楚地知道：“啊！是那个画家的作品！”感到亲切，也许就会想买。画家的署名是一种商标，有了这种商标，画家越来越尊重自己的个性，开始画独特的具有个性的画，这是可以想象到的。绘画的商品化、个性化，即使在上述画家之后的三个伟大的画家的作品中，也清楚地表现出来。
列奥纳多·达·芬奇 （Leonardo da Vinci， 1452—1519）生于意大利北部的芬奇村。父亲是法律家，芬奇从小非常善于思考，喜欢画画和玩弄粘土。他常拿着写生本到街上去，喜欢把容貌似乎奇怪的人哈哈大笑速写下来。另一方面对音乐和数学，自然科学和地理，对工程学、医学、机械学等其他学问都有深厚的兴趣。绘画老师是前面所说的雕刻家委罗齐奥。不久他就掌握了一般的绘画技术。根据当时的风习，到米兰和佛罗伦萨等城市去旅行，研究大师们的名作。在这期间，他当然也画画；不过，创作出真正出色的作品，是1487 年，作为米兰公爵的客人，住在米兰之后。当时，公爵不是把他以专门的画家相待。因为芬奇拥有多方面卓越的才能，公爵既让他设计道路、运河、城堡，也吩咐他发明兵器。在宫廷举行大宴会时，也让他装饰宴会厅，制作珍贵的乐器等。不过，这不是特别不可思议的。如前所述，那时候画家不过仅仅是一个匠人，受器重的匠人也必须什么都干。芬奇在米兰居留时所画的作品中，最有名的是《最后的晚餐》。它是画在圣·玛利亚·德尔·克拉基阿教堂的餐室墙壁上的，据说前后用了两年时光。描绘的是基督被官吏逮捕的前夜，和十二个门徒一起，在最后一次共进晚餐的食桌上说：“我实在地告诉你们，与我共餐的你们中，有一人出卖了我”这句话时，在门徒中间引起骚动的那一瞬间的戏剧性场面。关于这幅画，值得注意之处很多，首先应该说是基督和十二个使徒头上没有圆光。从来认为这些人是绝对神圣的，他们的头上，一定要饰以圆光，而芬奇作了另一种解释，把他们只是当做人或市民来描绘。这大概也可以说是文艺复兴时期的自由精神、合理精神的表现。其次，整个构图，由四个三角形构图组成。十二个使徒，三人一组，分为四组；在吵嚷“出卖主的是谁啊”声中，孤独地坐着忧郁的基督，使整个画面和谐地统一起来。以前，画最后的晚餐的人相当多，不过还没有一个人画得这样富有效果。第三，是采用了非常正确的远近法。中世纪绘画中，几乎没有必要用远近法，因为中世纪绘画是从镶嵌艺术的样式发展起来的，画基督、圣母、使徒们的肖像，背景上什么也不画。从乔托以后，才开始以大自然的风景或房屋为背景，不过也决不能说远近法是正确的。远处的物体大，近处物体小，还不过是概念的画法。
但是，到芬奇时就不是这样了。依据透视的原理，科学地合理地作画。窗户或天花板等的线画得都集向一点，也就是向坐在中央的基督的头上集中。这是无可指责的远近法。可以说正确的远近法是从芬奇开始的。同时，因为是从基督头上放射出所有的线，因此，具有和圆光同样的效果；不画圆光，也能表现出基督的神性。此后，芬奇离开米兰去佛罗伦萨，在那里画了有名的《莫娜丽萨》肖像。为了画这个女友的肖像，他花了四年的岁月。先研究她的心理，作素描，作数学的计算，最后才拿起画笔作画，真是精细入微。为了不使作模特的莫娜丽萨感到无聊，就雇乐师给她奏音乐。这样作成众所周知的世界名作，现在陈列在法国卢佛尔美术馆，在它前面总是挤满了参观的人。是什么这样吸引着参观的人们？是她深刻的魅力。请注意她那理智的温柔的眼睛。请看一下嘴边浮现出的像谜一般的微笑。这是女性的神秘。要解开这个谜，只要站在《莫娜丽萨》的面前，就会忘记时间的流逝。曾经留下这样的故事：有个英国人把这幅画的复制品挂在墙上，早晚都望着她，始终没有能解开莫娜丽萨的谜，结果发了疯，用手枪击穿心脏死去。另外还有一个故事：欧洲大战时，一个意大利的青年画家把这幅作品从巴黎卢佛尔美术馆偷走。意大利人芬奇的名作，竟成了法国人的东西，使青年画家遗憾，以致无法忍受。尽管青年画家偷去了，却难于处置它，因为他不能干把它卖掉那种可耻的事；没有办法，自己去坦白，作品再一次返回卢佛尔。
此外，芬奇还画了许多画。他的晚年实在孤寂冷清。据说是因为出现了精力充沛又年轻的天才米开朗基罗，夺去了他的名声。芬奇到晚年曾做过制作飞机等种种工作，结局仍以《莫娜丽萨》作为最后的杰作，而把名誉让给米开朗基罗，一个人孤苦伶仃地到法国去流浪。
米开朗基罗 米开朗基罗（ Michelangelo Bounaroti，1475—1564）生于意大利北部卡普里城。家庭非常富裕，小时，由乳母家抚养；乳母家是石匠，因此，米开朗基罗自从懂事时起，就已经听到打凿的声音，看见在石头上雕刻种种图像。稍长大之后，决定去佛罗伦萨上学。然而和芬奇相反，他讨厌学问知识，常常画画或玩弄粘土。这使父亲感到很恼火，怎样严厉训斥也没有用。而他的画越来越出色，他向朋友克拉拉兹基借画具，作了好得使人惊诧的画。克拉拉兹基是画家基尔兰达约的徒弟。终于有一天，克拉拉兹基把米开朗基罗带到先生的家中，基尔兰达约见到米开朗基罗，劝说他：“如果不求学问，就不能作我的弟子。”少年很高兴，逐渐地说服了父亲，终于正式开始学画，当时是十三岁，从此他更加努力学习，愈益上进。当时佛罗伦萨城的中心人物，是美第奇家的罗伦索。这人是个大银行家，而且是爱好学问、艺术的人，巨大的邸宅里搜集了古代书籍、希腊的雕刻等。
米开朗基罗为了研究这些，暂时作了美第奇的门下客。然而不久，罗伦索死去，他的儿子科西莫作了美第奇家的主人，这个人不象他父亲那样酷爱艺术，而且他对米开朗基罗也给以冷遇，所以米开朗基罗就离开佛罗伦萨去罗马，那是二十四岁的时候。米开朗基罗作为雕刻家开始活动，就是在这以后。他在罗马制作《哀悼基督》的雕像，这作品受到欢迎，被召回佛罗伦萨以后，就制作《大卫》等雕像。米开朗基罗不久成为世界闻名的雕刻家。教皇朱理二世召他到罗马说：“你为我修建陵墓。”因为计划中的陵墓规模宏伟，米开朗基罗认为有作的价值。为此特意到叫克拉腊的大理石山去，用了将近一年功夫，采集了质量优良的石材；据说，运到罗马时，把宽敞的教皇宫廷都堆满了。然而这墓室的建筑始终没有施工，因为有人嫉妒米开朗基罗的名声，说了他的坏话。教皇听信谗言，疏远了米开朗基罗，而且连采集大理石的款项也不支付。米开朗基罗一怒之下，离开了罗马。以后，米开朗基罗怀才不遇，过着穷困的生活，不得不自己支付大理石的价款，债务越来越多，而且由于神经痛，受了不少苦。然而，不屈的米开朗基罗，用那些大理石制作了《摩西》像及其他大型雕刻。就当时来说他是雕刻家，而不是画家。他画的画仅仅是教皇宫中的西斯廷小教堂的壁画和拱顶壁画，那是米开朗基罗还住在罗马时候作的。当时教皇宫中的西斯廷礼拜堂的墙壁和拱顶壁上还没有画，要决定由谁来画，那些嫉妒米开朗基罗的名声的人想使他丢脸，就建议说：“让米开朗基罗来画好了。”教皇也有那心意，就吩咐米开朗基罗去画。米开朗基罗说：“我是雕刻家，不是画家。”加以拒绝，但教皇不听。米开朗基罗说：“既然如此⋯ .”就开始工作了。完成的作品是画有三百多个裸体人物的《末日审判》这幅大壁画，和包括旧约圣经的故事、古今预言家肖像的拱顶壁画。此画可以说是第一流的杰作。打算使他丢脸的人，当然不得不哑然无语了。他创作这些作品，倾注了全部心血，从早到晚仰着头，连晚上也点着蜡烛画。据说，由于长期仰着头作画，当作品完成的时候，有一段时间连头都不能弯，难受极了。由于这两件大作品，使米开朗基罗成为举世闻名的大画家。壁画的构图宏伟，每一个人体都描绘得正确有力，特别是描绘男裸体，可以说是无与伦比的。这时正象米开朗基罗是芬奇的竞争者一样，又出现一个年轻的画家和米开朗基罗竞争，就是拉斐尔这个天才。上了年纪的芬奇已自动地引退，一个人孤独地到法国去了，而傲岸不屈的米开朗基罗却不是那样。他竭力和拉斐尔较量。曾留下了这样的故事：有一天他看见拉斐尔带着许多从者到梵蒂冈宫廷去，就嘲讽说：“怎样啦，真无聊极了。简直像被押送到牢房去一样。”而拉斐尔也不服输，他看见米开朗基罗孤单单一个人，就说：“嗯，简直象个被驱逐出境的人。”尽管两个人的关系很坏，但是事实上，两人都互相佩服。拉斐尔偷偷地学习米开朗基罗强有力，米开朗基罗却学习拉斐尔的优美。米开朗基罗到了晚年，再次来到罗马，开始从事建筑。他设计的圣彼得教堂，至今还是文艺复兴建筑的代表作品。
瓦萨里 在米开朗基罗的弟子中，最出色的是瓦萨里（Vasari，1511—1574）。他虽然也画气势磅礴的画，不过比老师画得稍感柔和。只要看以希腊神话为题材的《丽达》这幅画就可明白。作品画的是神话中诸神之王朱比特变为天鹅，向美女丽达求爱的一个场面。那天鹅的轮廓线画得这样生动优美。然而，他的功绩，不限于画画，他还是一个出色的美术史家。搜集了文艺复兴时期画家们的传记和传说，写了一大本书，作为贵重的史料，受到学者们的重视。拉斐尔如果把芬奇的艺术比作不可知的海底的深度，米开朗基罗的作品则是高山的峻岭。与此相对照，拉斐尔（Raffaelo Santi，1483—1520）的画，不是可以说象是广阔展开的明朗的原野吗？
拉斐尔生于意大利中部高原的乌尔比诺城。乌尔比诺的公爵当时也是以艺术的保护者而闻名。拉斐尔的父亲是画纹章的匠人。拉斐尔 从儿童时代就喜欢画画，到十六岁，到一个叫比鲁其诺（ Perugino，1446—1524）的画家那里当了一年学徒，热心地学习画画。比鲁其诺的作品大多数是明朗的牧歌式的情调，因此，拉斐尔也可能受他的影响。若看他初期的作品，就有和比鲁其诺如出一辙的感觉。当时，堪称为意大利第一的画家，是列奥纳多·达·芬奇。年轻的拉斐尔听说达·芬奇的作品很出色，非常向往，因此得到比鲁其诺的允许，到佛罗伦萨去研究达·芬奇的艺术或学习马萨乔、米开朗基罗等人的卓越艺术。他的丰富的才能，不用说得到了更大的增长。从此以后，他画了许多出色的作品。拉斐尔是个非常漂亮的青年，性格温和，举止优雅，是一个谁都喜欢的人，但可惜只活了三十七岁就死了。在他短促的一生中画了近三百幅画，其中以描绘圣母的画居多。只要说是拉斐尔的圣母就是非常有名的，因为数量很多，因而要加上种种名字，如在庭园里的叫《花园里的圣母》，在座椅中的叫《座椅中的圣母》，在大公爵府中的叫《大公爵的圣母》等等。对《大公爵的圣母》还有这样的传说：达斯卡公爵夫人因没有孩子而忧愁，后祈求这个圣母，不久果然就生了个漂亮的男孩。最有名的是《西斯廷圣母》。乘云的圣母抱着年幼的基督稳静地出来，在她的两侧迎从的是年老的教皇和圣女巴尔巴拉。画的下方有两个顽皮的小天使。据说，这两个小孩是拉斐尔有一天在面包房前看到的，两个孩子曲肘作成天真的样子，拉斐尔敏捷地把他们速写下来，后来加在这幅画上。拉斐尔真是敏捷而又机智，而且也有非常诙谐之处。拉斐尔二十五岁时，应罗马教皇的邀请，在梵蒂冈宫画了《哲学》、《诗》、《神学》和《法律》等巨大的壁画。全部是四幅，其中《哲学》也称为《雅典学院》画了柏拉图和亚里斯多德等共五十多个大学者，出色地画出了每个人的学风和性格，看来拉斐尔是费了极大心血的。拉斐尔渐渐富裕起来。在那个时代，画家已经不是匠人，而是受人尊敬的“艺术家”。因此，来后他集合学者们，开始研究希腊艺术，作罗马市的都市规划，过着幸福富足的生活；但是就在开始画《基督升天》这幅画的时候，中途去世了。据说人们都极其惋惜，他的葬仪非常盛大。就是说，他直到死都是幸福的人。不象芬奇和米开朗基罗那样遭遇困境。他的艺术一直都是纯朴、生动活泼、无所偏倚、圆满和谐的；几乎被认为是完美无缺的。在以后几百年中，他非常受到人们的尊敬，被称为“画家的王子”。而且他的《圣母》受到所有的人欢迎，例如要是说某个女人“象拉斐尔的圣母一样”，那就等于是说那个女人无上的美，直到如今，在英国还是这样。
佛罗伦萨派的特色 拉斐尔死后，佛罗伦萨的艺术，急剧衰落下去。虽然在拉斐尔的弟子中，仍有朱利奥·罗马诺（Giulio Romano ）等二三人，但是已经不是象以前那样繁荣的时代了。十六世纪的意大利，已进入文艺复兴的衰退期。在转入威尼斯派以前，再大致列举一下佛罗伦萨派的特色。首先，可以说是素描正确。佛罗伦萨派的画家们决不对事物的外形敷衍塞责，例如即使画人体，也要用数学和解剖学的知识明确地画出来；即使画背景，也要依据光学原理，运用正确的远近法。其次，佛罗伦萨派的画家，大多画男人。当然，象波提切利和拉斐尔也画美的女性，但是整个说，还是以画男人居多。有人这样解释：这是因为佛罗伦萨是行会发达的城市，是注重规律严整精神健全的城市，因此喜欢正确地描绘出男性强而有力精神的画。最后，一般认为，在佛罗伦萨派的画中，宗教的感情、神秘的情调比较淡薄。近代的合理的精神取得了胜利，不仅与中世纪的画比较是这样，而且与威尼斯画派比较，也可以说是有显著的特色。
（二）威尼斯派
威尼斯派的特色 威尼斯派的画和佛罗伦萨派比较，大不一样。当然，也同样不是中世纪的阴郁的贫乏的画。威尼斯派的画家在绘画时重视色彩甚于外形；色彩丰富且富于变化，是威尼斯派的最大特色。他们有时把物象的轮廓不画清楚，画得模模糊糊的。这是为什么呢？由于威尼斯是面临海洋的城市，在那一带水蒸汽总是很多，因而物体的形象大多看起来带点模糊而且柔和；早晨傍晚受太阳的斜光照射，所有物体常常反映出美丽的光辉。其次，画女性多于男性，也是威尼斯派的特色。最后是宗教的神秘的感情较多，当然这和中世纪的艺术是不可比拟的。威尼斯的市民大多乘船，说起乘船，往往容易使人有宗教的感情，甚至可以说，容易迷信。这在威尼斯画派的画中也表现出来。那么，威尼斯派的绘画，从谁开始，怎么发展的呢？
威尼斯派的起源 因为威尼斯是古老的城市，从十一世纪、十二世纪以后，艺术已经相当繁荣，可以认为已经是一个方面的中心地。因此，画家也有很多，不过象今天所说的具有威尼斯特色的最初画家却是雅科布·贝利尼。（JacopoBellini，1400—1471）他到帕都亚学习过绘画，从一开始色彩就很美，因此可以认为，威尼斯派大概是从这个人开始兴起的。
油画颜料的使用 不过雅科布死后不久，一个叫安东奈洛·达·梅西纳（ Antonello da Mcssina，1430—1479）生于西西里的青年画家来到威尼斯，传授油画颜料的使用方法。结果，威尼斯画家们，可以自如地挥笔，可以使用丰富鲜明的色彩了。原来，油画也就是用油溶化颜料来画画的方法，从十二世纪以后，在尼德兰盛行起来，不过非常不完善，尚有许多不便之处。而想尽办法，研究出完善的油画颜料的，按一般的说法，据说是后面要介绍的十四世纪尼德兰画家凡·爱克。总而言之，油画是尼德兰的东西，在意大利还不为人所知。意大利人用的颜料是所谓蛋胶画（坦普拉），也即是将颜料溶于蛋黄而作成的，缺点是容易脱落，发粘，不能自如地运笔。在梅西纳居住在那波利时，大概看见过到那波利来的尼德兰画家使用的油画颜料，觉得这是极为方便的东西，因此他就去尼德兰学习油画颜料的制法；他在回来的途中，顺便到了威尼斯，把它的制法传授给威尼斯画家。但是，他本人似乎并不是了不起的画家。若看他的作品，构图散漫，人物无生气，没有多大意思。但是，靠他带回来的油画颜料，威尼斯派的绘画急速地发挥了特色，从而一变全意大利的画风，因此，应当说他在绘画史上的功绩是不可忽视的。
乔凡尼·贝利尼 堪称为威尼斯派的开山祖师的雅科布·贝利尼有两个儿子。兄弟两人虽然都成为画家，不过弟弟乔凡尼·贝利尼（ GiovanniBellini， 1427—1516）最有名。他最初和父亲一样，到帕都亚，在那里学画；因为也受教于曼特尼亚，所以他那个时期的作品，素描正确，具有强有力的感情；但是，回到威尼斯以后，有了油画颜料，他马上用油画颜料画出感情柔和、色彩美丽的画。他的数量很多的《圣母》被说成是威严和美相给合的最早作品。
柯累乔 然而，比贝利尼更具有丰富才能的是柯累乔（ AntonioCorreggio，1494—1534）。详细的事迹虽不清楚，但他似乎是谦逊而率真的人。他的画非常温和而且很美。可以看看《爱的学校》（一名为《小爱神的教育》），画的是麦鸠利和维纳斯两个人教小爱神步行。维纳斯的丰丽的肉体魅力，小爱神的可爱，确实无与伦比。这些作品，可以说是色彩画家对佛罗伦萨派的造型的挑战书。柯累乔确实擅长于画女性，再看他画的《圣女卡德琳》，也会觉得充满柔和优美的情调，至少在他以前，没有可以和他并肩的画家。
乔尔乔内和巴尔马·委基奥 在乔凡尼·贝利尼的许多弟子中，有许多优秀画家。其中一个是乔尔乔内（Giorgione，1477—1510）。他是农民的儿子，品性善良纯朴，没有受过很多教育，然而自己努力学习。他喜欢吹笛子，因此，他的画里，吹笛子的人物非常多，著名的《田园的合奏》就是这样。此外，他的画，特别是在色彩方面，一般都认为有音乐的和谐，那一定是由于他对音乐有兴趣，很能理解音乐的美的缘故。还有一个优秀的画家，是巴尔马·委基奥（Palma Vec-chio，1480—1528）。他用鲜美的色彩画肉体丰满的女人，不过他的女性，都有一种非常现实的感觉，因此，在某种意义上，大概可以说是近代的。如这样说，柯累乔的《圣女卡德琳》也是近代的，因题名为《圣女卡德琳》，可知画的是圣女的肖像；若就以画叫人看，也许会认为是一个年轻的女郎在读什么书。就是说在柯累乔和委基奥的作品中，已经看不到中世纪令人郁闷的精神。他们可以说已经成为真正文艺复兴时期的人，近代人。
提香（Titian，1482—1576）到提香出现，威尼斯派绘画达到了顶峰。提香生于阿尔卑斯高原托卡勒城一个将军家庭，从小就不爱读书，一到上学的时候，就跑到城外，到山野森林里去游逛，或到郊外去摘花，将花揉烂取它的汁液画画，连家庭教师也对他没有办法；因此，在他还是孩子的时候，就被送到威尼斯去学画。老师是乔凡尼·贝利尼。最初提香很听从贝利尼的吩咐，画贝利尼风格的画。在贝利尼的弟子中，同时的还有乔尔乔内。如前所述，乔尔乔内善良，技术出色，年纪也较大，所以他也教给提香一些东西。后来，提香一点也不听先生的，只听乔尔乔内的教导。贝利尼很生气，把两个人都开除了。他们没有办法，只好靠画画来维持生活。不过，提香总是更受欢迎，因此乔尔乔内也感到没趣，两人的关系开始疏远。不久，乔尔乔内死去。此后就成为提香一人的天下。提香使用华丽的色彩陆续画了许多出色的作品，使人惊叹不止；特别擅长描绘出金色的调子，甚至有“提香的金色”这个词汇。据说，米开朗基罗看见他的色彩，赞誉地说：“如果形象再正确些，就会成为世界第一的画家。”他的作品，首先应该举出的是《酒神与阿尼亚德尼》。他用严密的构图，确实很巧妙地捕捉描绘了希腊神话中一个场面。《天上的爱与人间的爱》，究竟画的构思是什么，虽然谁也不太明白，不过大概可以这样认为，穿衣裳的女性表示纯洁的天上的爱，而完全裸体的，坐在井边的举止有点轻浮的表示人间的爱。然而提香的画最有名的是《弗罗拉》。所谓《弗罗拉》就是花神。但是这个女神并不是即将开放的春天的花朵的感觉，倒不如说是洋溢着盛开的鲜花的美丽。发育完美的女神的身体，她的金褐色的头发，高高的额头，大大的蓝色的眼睛，半月形的眉毛，丰满的面颊，宽大的双肩，高耸的胸部，健壮的体格，堪称为十五、十六世纪理想美人的典型。和它有类似的情趣的作品是《抹大拉》，把一般认为是圣女的抹大拉画成普通女人，而且是有结实的肉体和丰满的乳房的女人，从这可以看出提香的精神。如前所述，文艺复兴在某种意义上，是要把从来认为神圣的东西拉回到凡间来的时代。在《抹大拉》中可以明显地看出这种意图。说她是神圣的人物，也仅仅是从望着天上表示虔敬的眼光中表示出来。德意志皇帝《查理五世》的肖像，也是堂皇壮丽的作品。提香画了这幅肖像以后，很合皇帝的心意，据说以后提香每次画完画后，总要付给他一千克朗巨款。因此，提香开始有很多钱，住在象宫殿一样的家庭里，可以过着豪华的生活。到九十岁时，得鼠疫病死去。
丁托列托 提香确实是威尼斯派最大的画家；不过他之后，还有天才人物。这时候，佛罗伦萨派已走上衰微的道路，而威尼斯派还在继续繁荣兴旺。提香的弟子中有两个伟大的画家。其中一个是丁托列托（Tintorctto，1518—1594）。丁托列托是“染匠的儿子”的意思，真名叫雅科布·罗布斯其，不过现在谁也不叫他的真名。丁托列托从孩子时就喜欢画画，不管是染坊店的壁还是地板上到处都画满了画。父亲以此为骄傲，请求提香收他为弟子；但是他桀骜不驯，一点也不遵循先生的教导，终于被提香赶回来。可是丁托列托对此事一点也不在乎。他以“具有提香的色彩和米开朗基罗的形象”为志愿，以旺盛的精力画了许多出色的、大多是大幅的画。他说如果画幅不大，就画得不完满。《天国》这一类壁画等都是画在威尼斯宫殿的大厅里，和米开朗基罗的《末日审判》一起，可以说是世界上最大的壁画。当然，因为是威尼斯派画家，色彩华美，很有气魄。英国的评论家拉斯金认为“的确比得上米开朗基罗”，极为赞赏他的画。丁托列托还有一幅叫做《圣马可的奇迹》的作品，画的是在基督教还未被公认的时代，一个奴隶信徒被异教徒们抓住，在刚要被杀的时侯，威尼斯守护神圣马可出现挽救了奴隶，这一戏剧性故事。《苏珊娜的出浴》也是有名的作品。丁托列托性情激烈，留下这样一个故事：有一次，一个弟子把画卖给了商人，但买主觉得价钱太高因此想请丁托列托看一下；到了他的家，丁托列托看了那幅画，没想到他火冒三丈，就打了弟子一耳光。商人大吃一惊，又很高兴，以为这样一定可以用很贱的价买到手。哪知丁托列托说：“傻瓜！你怎么把这样好的画卖得这样贱！”
委罗奈斯 提香的另一个弟子是委罗奈斯（Veronese，1528—1588），他性格活泼，画了许多威尼斯的祭典、宴会等热闹豪华的画。威尼斯有圣马可节、谢肉节等许多节日，全城都要狂欢跳舞。委罗奈斯喜欢画那些愉快欢乐的场面，特别长于以银色调子作画，和提香的金色相对，也有所谓“委罗奈斯的银色”的说法。描绘基督显圣的《迦拿的婚宴》巨幅画，是点缀十六世纪威尼斯画派最后余辉的有名的杰作。委罗奈斯还留下《圣女赫勒恩对十字架的幻想》等许多杰作。自从他死后，威尼斯画派逐渐衰微下去。
（三）波伦亚派和那波利派
佛罗伦萨派从十六世纪以后，威尼斯派从十七世纪以后，顿然失去繁荣之势，开始衰微下去；与此同时，盛极一时的意大利文艺复兴也随之宣告结束。其原因在哪里呢？首先最重要的是政治方面。到了十六、七世纪，意大利开始分裂为米兰公国、威尼斯共和国、佛罗伦萨、罗马教皇领地和那波利王国五个部分，互相争夺；德国皇帝，新兴西班牙王国的势力也相继侵入，国内纷扰杀戮不绝，因此没有艺术繁荣的余地。进而，马丁·路德的新教运动，也波及到这个国家，情况更加复杂。正如前面所说，意大利的绘画大部分和罗马教会的信仰与传说有关。当然，它和中世纪艺术的处理方法不一样，但它的主题大多和旧教有关，这是无疑的。新教运动兴起，反对罗马教会的气势高涨起来，和以前一样的旧教的画，就不再画了。虽然有希腊神话这种最理想的题材，不过作为宗教方面的画，应该怎么画呢？画家们张惶失措，不知如何是好；因此，在这种情况下，失去了作画的自信心。但是，不能忘记另一个经济上的原因。如前所述，十四、五世纪的时候，意大利可以说是欧洲贸易的中心，因此商人的势力强大起来，文艺复兴运动兴起，绘画也兴盛起来。但是，到十六世纪，欧洲的商业贸易中心，离开意大利，转移到西班牙去了。十五世纪末期以后，西班牙、葡萄牙新兴王国，不断致力于发现新航路。他们几经失败之后，终于发现了去东方的航路，特别是西班牙发现了美洲大陆，在那里建立了广大的殖民地。新大陆与西班牙开始频繁往来。因此，十六世纪以后，西班牙各种工业兴起，商人、市民的势力也强大起来，意大利也不能不受到它们的影响。因为意大利已经不是东西贸易的交通线，意大利商人们也失去了活力，声望消沉，购买力也下降；与此同时，画家们也似乎突然丧失了元气。不过，意大利绘画虽说衰微，也还是留下一些余脉。
波伦亚派 意大利北部大城市波伦亚，兴起了一派艺术运动。其中心人物是鲁多维柯·卡拉齐（Ludovico Caracci，1555—1619）。这个人遍游意大利各地，研究米开朗基罗、提香、丁托列托等大家的作品，回到波伦亚以后，在该地设立美术学校，培养了许多弟子。他的信条是“应该取前代大家的长处，结合它们，创作出更优秀的作品”。也就是模仿主义，或者折衷主义。当然，这种作法决不能产生伟大的艺术。卡拉齐的作品大部分是毫无生气虚有其表的东西。值得记忆的是，在他的弟子中出了通俗画大师，那就是基多·雷尼（Guido Rcni，1575—1642）。他受卡拉齐的教育之后，应教皇邀请去罗马，以后画了许多画，不过以《戴荆冠的基督》特别有名。这幅画的复制品，可以说风行各地，确实是色彩优美，画法也柔和洗练，基督的脸也很美，是一幅使人喜欢的作品；但是，也不能不说是一幅缺乏精神深度的画，力量不足，看不出那是想拯救人类的真诚热烈的基督，连望着天上的眼神，也是极其女性化的，没有十五世纪作品中所见到的那种雄伟坚韧的气质。应该说在此处也已经表现出艺术的衰微。
那波利派 与此相反，意大利南部那波利出现了自然主义一派，它的主将是卡拉瓦乔（Caravaggio，1569—1609）。原来此人并不是画家，而是一个石匠，但有绘画才能，曾经在罗马工作。当时，他看见画家们都不过是模仿前代的大师，便毅然下决心作画家。他的主张是“画家不能徒然地模仿，应该直接从自然学习”。因此他有许多作品，都是描绘日常生活的场面。如题为《赌博》的一画，两个男人在玩扑克牌，在其背后，有个家伙躲在暗处，用手指递暗号，意思是骗人的赌博。这是意大利人生活中一个真实场面。值得注意的另一点是，使用浓淡法，得到特殊的效果。背景很暗，只把人物和桌子，也就是主要物体画得明亮。这样的画法，后来传到西班牙，得到独特的发展，成为所谓巴罗克绘画的一大特色。卡拉瓦乔虽然不是大家，不过确是具有敏锐才能的人。 |
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